¡Al Cielo con Él!

19 de mayo de 1735. Iglesia de Santo Tomás (Thomaskirche) de Leipzig. A la derecha del órgano, en una galería lateral, se encuentran dispuestos los instrumentos de madera, los metales y los timbales; a la izquierda, los instrumentos de cuerda pulsada. Johann Sebastian Bach, frente al coro, de espaldas a la congregación allí reunida, está a punto de dar la orden para que de comienzo la que va a ser su Cantata BWV 11. “Alabad a Dios en su Reino”.

Esta Cantata, junto a otras dos más, tiene la particularidad de que Bach le ha dado el nombre de Oratorio, como así figura en el manuscrito autófrafo: "Oratorium Festo Ascensionis Christi" es el nombre original de esta obra compuesta para cuatro solistas vocales, coro, tres trompetas, timbales, dos flautas, dos oboes, violines y violas al unísono, y continuo. En ella se narra la historia de la Ascensión de Cristo; y Bach, reutiliza música propia que ha sido creada con anterioridad.

Lobet Gott in seinen Reichen, BWV 11

(Himmelfahrtsoratorium

Monteverdi Choir. English Baroque Soloists

John Eliot Gardiner, director.

Como en el Oratorio de Navidad, Bach trata la declamación del Evangelio en estilo "secco", es decir, sin acompañamiento distinto del continuo. Los recitativos no bíblicos (III y VIII) están en accompagnato, con un uso muy ilustrativo de la pareja de flautas traverseras, que por momentos iluminan el texto. La fogosa alegría del coro inicial, "Alabad a Dios en sus reinos", y el tono suplicante de los violines en la primera aria, "Permanece, vida amada", se adaptan admirablemente al nuevo texto. La segunda de las arias, "Jesús, en todo momento veo tu mirada de gracia", al prescindir de los instrumentos del continuo, produce un efecto de liberación de los lazos terrenales. El primer coral (VI) es una sencilla armonización a cuatro voces, siendo el coral conclusivo, por el contrario, un soberbio movimiento concertante para todos los instrumentos, al que se incorpora el coro con la melodía del himno confiada a las sopranos y guardando una estrecha simetría con el principio de la Cantata.

¡Un Feliz Encuentro!

“Don Juan es el primer ballet de este género, un regreso a la pantomima de los antiguos. Es la representación danzada de un drama, así como la ópera es la representación cantada”. 
Así se expresaba Christoph Willibald Gluck en el prefacio que acompañó a la partitura de este maravilloso ballet.

Después de viajar por París y Londres, Gluck, finalmente se establece en Viena, ocupando el puesto de maestro de capilla. Durante el año de 1761, tiene lugar el feliz encuentro entre nuestro compositor y Ranieri de Calzabigi, poeta y libretista italiano, aventurero y literato que, nutrido de la cultura clásica, escribiría el libreto de la primera gran ópera del compositor: “Orfeo y Euridice”, obra basada en el famoso mito de la antigüedad a través de episodios de la “Metamorfosis” de Ovidio y las “Geórgicas” de Virgilio. Pues bien, el germen del nuevo estilo llevado a esta ópera por Gluck  y que fue presentada en 1762, ya se halla en la música que fue escrita por el propio compositor un año antes para el ballet Don Juan. Hay muy poco en Orfeo que no esté implícito y aun explícito en este ballet que ya contiene, por ejemplo, la frase al unísono que habría de convertirse en el “Coro de las Furias” del Orfeo. Por tanto, sin lugar a dudas, podemos considerar Don Juan como la primera de las obras maestras de Gluck.

Ballet "Don Juan"

The English Baroque Soloists.

John Eliot Gardiner, director.

Si el Orfeo causó una revolución en el campo de la ópera, la música de Gluck, para el Don Juan, operó un fenómeno similar en el reino del ballet que durante el siglo dieciocho había degenerado en un arte casi simplemente acrobático. Con la reforma de Gluck, el ballet se convirtió en una pantomima cuyo propósito era el de expresar la tragedia y la pasión.