Visiones Interiores

“He compuesto una colección de Goyescas de gran vuelo y dificultad. Son el pago de mis esfuerzos por llegar. Dicen que he llegado. Por fin encontré mi personalidad. Me enamoré de la psicología de Goya y su paleta; de su maja señora; de su Maja aristocrática; de él y de la duquesa de Alba; de sus pendencias, amores y requiebros; aquel blanco rosa de las mejillas, contrastando con las blondas y terciopelo negro con alamares; aquellos cuerpos de cinturas cimbreantes, manos de nácar y carmín, posadas sobre azabaches, me han trastornado.”

En esta carta dirigida por Enrique Granados a Joaquín Malats en 1910, escrita un año antes del estreno de esta maravilla compositiva que es “Goyescas”, el Maestro explica el fundamento de una obra que va a marcar el culmen de su trayectoria musical y, junto a la "Iberia" de Albéniz, van a suponer un hito en la historia del pianismo español.

Granados disfruta con la creación de esta composición que posee una frescura espontánea; todo surge con facilidad en su mente prodigiosa. Él mismo confesará refiriéndose a su obra: “He tenido la dicha de encontrar algo grande. Goyescas es un obra para siempre. Soy un convencido.”

Goyescas se distribuye en dos cuadernos y un número independiente, "El pelele". El tratamiento pianístico es de máxima madurez, recogiendo el fruto de experiencias y trabajos anteriores, depurando las calidades y consiguiendo la mayor flexibilidad en las frases libres, originalidad en las curvas melódicas, encanto en el fondo armónico. Y poesía. Poesía a borbotones.

Granados estrenó el primer cuaderno el 11 de marzo de 1911 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona. El segundo cuaderno vio la luz en diciembre del mismo año y fue estrenado en París el 4 de abril de 1914, en la sala Pleyel.

Goyescas_Los Majos Enamorados

Thomas Rajna, piano.

Refiriéndose a esta obra, Manuel de Falla diría: “No olvidaré jamás mi lectura de la primera parte de Goyescas; aquellas frases tonadillescas traducidas con tal sensibilidad; la elegancia de ciertos giros melódicos, unas veces impregnados de ingenua melancolía, otros de alegre espontaneidad, pero distinguidos y sobre todo evocadores, como si expresaran visiones interiores del artista.

Granados se dirige de nuevo a Malats: “De mis Goyescas tendrás el primer ejemplar. Están dedicadas a hombres ilustres; una para ti...”. Todas las piezas, pues tienen sus dedicatarios, todos destacados pianistas de la época, excepto las "Quejas o La maja y el ruiseñor" que está dedicada a su esposa Amparo. Los destinatarios músicos son Emil Sauer, Edouard Risler, Ricardo Viñes, Harold Bauer y Alfred Cortot.

Finalizo con un comentario que hizo Joaquín Turina, con ocasión de la muerte de Granados: “Nuestro padre Albéniz nos mostraba el camino que habíamos de seguir. Granados comprendió que había llegado su hora y se lanzó por aquel camino, pero adaptándolo a su temperamento de soñador, para lo cual se colocó en los comienzos del siglo XIX."

Ernesto Halffter

“… este muchacho hace, intuitivamente, cosas que a los demás nos han costado años de trabajo”.

Quien así se expresa es Manuel de Falla en un escrito a su amigo y crítico musical Adolfo Salazar. El muchacho a quien se refiere el maestro es Ernesto Halffter.

Hermano menor de Rodolfo Halffter, Ernesto Halffter Escriche nació en Madrid un 16 de enero de 1905. Con 14 años, compone sus primeras obras: Crepúsculos, una Suite para piano, y varias canciones sobre versos de Heine. 1923 es el año que le marcará para el resto de su vida. Año en el que tiene su encuentro con Manuel de Falla, ya entonces totalmente consagrado, y éste lo acepta como discípulo.

Sería la Sinfonietta en re mayor, galardonada con el Premio Nacional de Música en 1925, la gran llamada de atención al mundo sobre el nuevo nombre. La tendencia neoclasicista, entonces imperante, tiene en esta obra una de las más bellas y mejor terminadas consecuciones. 

Sinfonietta en Re mayor

1.- Pastorella. 2.- Adagio. 3.- Allegretto vivace. 4.- Allegro giocoso.

Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Víctor Pablo Pérez, director.

Ligado al grupo del 27 a través de su amistad con Alberti, García Lorca y tantos otros, Ernesto Halffter ve alargarse su prestigio como continuador de la dirección marcada por Falla. Hace suyas las recientes innovaciones de Stravinsky o el arte perfecto de Ravel y frecuenta París, en donde se siente como el pez en el agua, encontrando allí editor, concretamente en la casa Max Eschig.

Tras su matrimonio con la pianista portuguesa Alicia Cámara Santos en 1928, Halffter se traslada a Lisboa, en donde le sorprende la guerra civil como profesor del Instituto Español. Compone su Rapsodia portuguesa en 1938 y llega a España en 1940. 

Rapsodia Portuguesa

Francisco Martínez-Ramos, piano. Orquesta Filarmónica de Gran Canaria.

Adrian Leaper, director.

En un ir y venir constante a España y Francia, Halffter dirige muchos conciertos de la Orquesta Nacional, como lo hace con formaciones francesas a cuyo frente graba obras de Falla. Muerto el maestro en 1946, a partir de mediados de los años cincuenta y por acuerdo de los herederos de Falla y la editora Ricordi de Milán, inicia la terminación de Atlántida. El Oratorio o Cantata escénica se estrenan en 1961/62 en España, Inglaterra, Suiza, Estados Unidos y Alemania.

Ernesto falleció en Madrid el 5 de julio de 1989 a los 84 años de edad, trabajaba en una partitura importante basada en La caldera de Taburiente e inspirada en tradiciones canarias. La guerra civil y, sobre todo, los años de trabajo dedicados a la Atlántida hicieron que su producción no fuera muy amplia. Aún así, su talento musical lo catapultan como una de las primeras figuras de nuestra música en el siglo XX.

Atlántida (Revisión de Ernesto Halffter)

Solistas: Caballé,Berganza,Sardinero,Verdera. Coros: CONE,Orfeón Donostiarra,Coral Cármina,Escolanía Ntra Sra del Recuerdo.

Jesus Lopez Cobos, director.

La Andalucía de Bacarisse

Caracas, 07 de julio de 1950. Con motivo del Segundo Festival Internacional de Música y organizado por el "Centro de Fantasías Dominicales", va a tener lugar, en el teatro municipal de la capital venezolana, el estreno de la Fantasía Andaluza para arpa y orquesta de Salvador Bacarisse. Al arpa, el insigne Nicanor Zabaleta y como director de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, Sergiu Celibidache.

Salvador Bacarisse, el compositor que en un principio más prometía de la Generación musical del 27, nació en Madrid el 12 de septiembre de 1898. Estudió en el Real Conservatorio de Música de la capital española, siendo su profesor de piano Manuel Fernández Alberdi y de composición Conrado del Campo. Ganó por tres veces el Premio Nacional de Música y provocó un gran escándalo con la obra pianística Heraldos, de carácter «politonal». Bacarisse fue miembro del Grupo de los Ocho, grupo que fue fundado siguiendo el modelo del grupo francés de "Les Six" para combatir el conservadurismo musical y ayudó a promover la música contemporánea como director artístico de la Unión Radio hasta 1936. Al acabar la Guerra Civil, en 1939, Bacarisse se exilió en París. Aunque las composiciones anteriores al exilio son de estética variada y claramente progresistas para la época, su producción posterior no evolucionó. Fue sin duda el principal perjudicado de la dispersión generacional que ocasionó la guerra civil.

En París trabajó para la Radiotelevisión Francesa como productor de programas en español dedicados a la música. Algunas obras de este periodo fueron consecuencia directa de su amistad con eminentes intérpretes, ya que su casa parisina fue lugar de encuentro de artistas como Nicanor Zabaleta, Narciso Yepes, Leopoldo Querol y Josefina Salvador. Sería en París donde fallecería un 05 de agosto de 1963.

Fantasía Andaluza

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Antoni Ros Marbá, director.

Otros músicos se han dado la tarea de cantar, evocar, sugerir, mimetizar España. Lo convencional, lo típico, lo pintoresco, lo populista, lo arbitrario. Han creado una españolería enmarcada en trazos ramplones y vastos o en estilizaciones tan complicadas como incomprensibles. Nada de esto hay en la obra que se estrena. La nutrición del compositor está elegida en las más esenciales primicias andaluzas. Bacarisse nos cuenta su Andalucía con la fiereza de sus acordes disonantes, agridulces y secos, con la alegría contagiosa, con el sorprendente color regional.

Así se expresaba el musicólogo chileno Eduardo Lira Espejo, en el Nacional de Caracas, al hablar de la obra que nos ocupa.

Aunque en la Fantasía Andaluza se escuchan instrumentos característicos del folclore español y andaluz como las castañuelas, la obra evita el casticismo para aproximarse al nacionalismo de vanguardia de Noches en los Jardines de España de Manuel de Falla.

Antoni Ros-Marbá (Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 02 de abril de 1937 - )

Emblema del Neoclasicismo

Barcelona, 5 de noviembre del año 1926. En la Asociación de Música de Cámara de Barcelona, va a tener lugar el estreno del “Concerto per clavicembalo” de Manuel de Falla. Al clave, Wanda Landowska, la destinataria de la dedicatoria de esta obra. Interpreta la Orquesta de Pablo Casals, dirigida por el propio compositor.

La pieza, orquestada para Clave (o pianoforte), flauta, oboe, clarinete, violín y violonchelo, fue compuesta por Falla entre los años de 1923 y 1926. El compositor, había escuchado a Wanda Landowska en un concierto para clave en Granada y quedó fascinado. A raiz de aquí, escribió la parte de clave de El retablo de Maese Pedro y, como homenaje a Wanda, el concierto que nos ocupa. Como curiosidad, destacar que el maestro escribió el concierto del revés, es decir, primero comenzó por el tercer movimiento, pasando por el segundo y hasta llegar al primero. En cuanto a su instrumentación, el compositor lo dejó dicho bien claro: que no se aumente, en ningún caso, el número de instrumentos; y que el clave, aparezca delante del escenario, situando los demás instrumentos, unos pasos por detrás, aunque sin dejar de ser visibles para el público.

Estamos ante el Falla más interiorista, en plena culminación de su proceso artístico. Antes de la composición de esta obra, Falla, copió y estudió los conciertos de Brandemburgo, las variaciones Goldberg y el concierto para tres claves de Bach, así como la música de Rameau, Couperin y hasta de Grieg, todo para familiarizarse con la composición de la música para clave.

Concerto per Clavicémbalo

Joaquín Achúcarro, clave

Miembros de la Orquesta Sinfónica de Londres

Eduardo Mata, director.

En el primer movimiento, allegro, nada más comenzar, Falla recoge como tema la canción popular castellana "de los álamos vengo, madre", del siglo xv. En un alarde compositivo, el maestro se permite, una vez presentado el tema, variarlo a su gusto, y, de pronto, concretamente en el compás 89, hacerlo aparecer, ayudándose de la flauta y el clarinete, en toda su simplicidad. Además de la canción de los álamos, nos encontramos con el tema que abre la obra y cierra, original de Falla, y que éste lo somete a ocho variaciones. 

El segundo movimiento, lento, se ha llegado a comparar con una catedral gótica o con la solemnidad de una fiesta religiosa. En un tiempo cantabile, la sonoridad del clave, con sus grandes arpegios, lo dotan de una mayor resonancia y fuerza expresiva.

Finaliza la obra con un Vivace. En él, el clave plantea el tema principal, con la melodía “de los álamos". Este es el movimiento más influenciado por el barroco, notándose, sobre todo, en las ornamentaciones que lo acompañan.

Disfrutemos de este perfecto equilibrio entre tradición y modernidad, Una maravilla de nuestro amado Manuel de Falla y que fue descrito por Stravinski como el concierto digno de ser llamado la obra emblemática del neoclasicismo.

Eduardo Mata Asiasín (Ciudad de Mexico, 05 de septiembre de 1942 - Cerca de Cuernavaca en Temixco, Morelos, 04 de enero de 1995).

La España Amada de Ravel

1907. En el yate l’ Aimée que se encuentra amarrado en Valvins, cerca de Fontainebleau, Maurice Ravel se haya inmerso en la composición de su Rapsodia Española. Tiene treinta y tres años de edad y el recuerdo de España, imborrable, en su mente. De él se llegó a decir que su cuerpo era español aunque su vestido, francés.

Ravel heredó de su madre, de origen vasco-francés, un profundo amor por la música española. Esos primeros cantos que le oyó tararear en su infancia y cuyo recuerdo le perseguirá toda su vida, tuvo su reflejo en obras como "La hora española", ópera cómica que se desarrolla en la Sevilla del siglo XVIII, o "La Alborada del Gracioso", compuesta en 1918.

La Rapsodia Española es su primera obra sinfónica en varios movimientos. Es poseedora de todo el encanto y el sabor de la música típica española, poniéndose de manifiesto su madurez alcanzada en el arte de la orquestación. Existen en esta obra claras influencias de Rimski-Korsakov, por ejemplo en el uso de timbres brillantes; y también de Debussy, en el empleo de escalas octatónicas. La obra se genera en torno a la orquestación de la “Habanera”, esta pieza, incluida en «Sites auriculaires» para dos pianos, data de 1895 y fue estrenada por Ricardo Viñes. Ravel dejó por escrito que para él esta fue una pieza fundamental. Cuando Debussy la escuchó, acto seguido compuso su famosa «La soirée dans Grenade» (Anochecer en Granada), y después varias otras piezas de inspiración española. 

La Rapsodia, estructurada en cuatro movimientos, desde el misterioso Preludio a la noche sobre un insistente motivo de cuatro notas, siguiendo con la inquietante Malagueña y sus juegos de cuerdas y metales; con la dulce y nostálgica Habanera y hasta el estallido rítmico de la Feria, desbordante de popular alegría, se puede apreciar el deslumbrante dinamismo y los contrastes de la orquesta de Ravel. Dedicada a su profesor de piano, Charles de Beriot, se estrenó en los Conciertos Colonne de París, el 19 de marzo de 1908, siendo dirigida por Edouard Colonne. 

Rapsodia Española

1.- Prélude à la nuit. 2.- Malagueña.

3.- Habanera (from sites auriculares). 4.- Feria.

Orchestre Symphonique de Montréal.

Charles Dutoit, director.

Falla, en un hermoso ensayo dedicado a Maurice Ravel, refiriéndose a la Rapsodia Española, escribiría: "Me sorprendió por su carácter español, el cual, coincidiendo con mis propias intenciones, y en contra de lo hecho por Rimsky en su Capricho, no estaba logrado por el simple acomodo de documentos folclóricos, sino más bien (exceptuando la jota de Feria) por un libre empleo de substancias rítmicas, modal melódicas y ornamentales de nuestra lírica popular, substancias que no alteran el modo peculiar del autor, a pesar de su aplicación a un lenguaje melódico tan distinto del empleado en la Sonatina". 

Dejémonos llevar y conmover por esta asombrosa riqueza de timbres y admiremos, a quien ha sido capaz de alzar invisibles torres, desde las que ha iluminado, con la radiante luz del sol de su España amada, todos los rincones del mundo.

El Retablo de Maese Pedro

Manuel de Falla, tras la muerte de sus padres, decide establecerse en Granada. Corre el año de 1920. Después de vivir durante un largo tiempo en la vivienda de su amigo Ángel Barrios, ubicada en la misma calle de la Alhambra y ya a finales de 1921, encuentra la que va a ser su residencia definitiva en dicha ciudad, un pequeño "carmen" enclavado en la calle Antequeruela Alta, actualmente "Casa Museo Manuel de Falla", donde se instala con su hermana María del Carmen. 

A Falla, le gustaba asistir a las tertulias de "El Rinconcillo”, reuniones que se celebraban en un céntrico café de Granada hoy ya desaparecido. Allí entabló amistad con Miguel Cerón, Fernando de los Ríos, y entre otros y sobre todo con Federico García Lorca. 

Es en este preciso momento en el que Falla se replantea un cambio en su lenguaje musical, fruto del cual verían la luz “El retablo de maese Pedro”,obra que nos ocupa, y el "Concerto para clave y cinco instrumentos".

Compuesta "como homenaje devoto a la gloria de Miguel de Cervantes" y fruto de un encargo al músico gaditano de la Princesa de Polignac, el libreto del retablo está basado en los capítulos XXV y XXVI de la "Segunda Parte" de la obra inmortal que escribiera Cervantes, "Don Quijote de la Mancha". En estos capítulos se narra como el ingenioso hidalgo, cuando estaba presenciando el retablo del titiritero Maese Pedro, donde se contaba la historia de Melisendra, esposa de don Gaiferos a quien tenía cautiva el rey Moro Marsilio y de como su marido la libera; al llegar al final de la representación donde la pareja es perseguida por los moros, nuestro Quijote, se puso a destruir el teatro y los muñecos, con el fin, según él, de salvar a los fugitivos. Este acto fue presenciado y soportado con gran asombro y desesperación tanto por parte del Maese Pedro como por todos los asistentes al espectáculo.

El Retablo de Maese Pedro

La obra se estructura en un solo acto con la participación de tres cantantes y marionetas. Consta de las siguientes partes, que se van desarrollando sin interrupción: El pregón • La sinfonía de maese Pedro • Historia de la libertad de Melisendra • Cuadro I. La corte de Carlomagno • Cuadro II. Melisendra • Cuadro III. El suplicio del moro • Cuadro IV. Los Pirineos • Cuadro V. La fuga • Cuadro VI. La persecución • Final

El retablo, en su versión escénica, se estrenó el 25 de junio de 1923 en el palacete de la Princesa Polignac en París. Se utilizaron decorados y figurines de Manuel Ángeles Ortiz y títeres con cabezas y figuras planas de Hermenegildo Lanz. A dicho estreno asistió la selecta corte de la princesa, poetas, músicos y pintores. Cinco días después, Corpus Barga (seudónimo de Andrés García de Barga y Gómez de la Serna), firmaba una crónica en el periódico "El Sol" con el retrato de algunos de los presentes: Paul Valéry, "el poeta de hoy, que hace gestos de náufrago entre las ondas de los hombros femeninos"; Stravinsky, "un ratón entre las gatas", o Pablo Picasso, "de etiqueta, y rodeado por todas partes, parece que está apoyado en una esquina y que tiene la gorra caída sobre una ceja".

Caprichos y tonterías.

Manuel de Falla compuso en sus primeros años de compositor y antes de la que consideraba su primera obra digna de figurar en su catálogo, "La vida breve" que data de 1905, más de una treintena de obras. 

Refiriéndose a estas piezas de juventud escribiría al respecto: “…Lo que publiqué antes de 1904 no tiene el más mínimo valor. Todas son tonterías, algunas escritas entre los 17 y 20 años, aunque publicadas después. Un Nocturno, por ejemplo, que escribí siendo apenas un niño. Cuando se lo enseñé, mucho tiempo después, a un editor de Madrid, pensó que podía interesar y lo publicó, y esto fue todo…”

Nocturno

Joaquín Achúcarro, piano

Compuesto en 1896 y estrenado por él mismo en Cádiz, concretamente en el Salón Quirell en el año de 1899, este nocturno es monotemático con alguna pequeña modificación. De forma tripartita: A-B-A, lejos de las profundas influencias nacionalistas e impresionistas que marcarían su obra posterior, el joven Falla nos muestra en esta pieza su gran admiración por Chopin, componiendo una obra de estética totalmente romántica.

Vals Capricho

Joaquín Achúcarro, piano

"El Vals Capricho" data del año 1900. Fue estrenado por Manuel de Falla en el Ateneo de Madrid el 6 de mayo de ese mismo año. Junto a la Mazurca en do menor, inédita entonces y descubierta posteriormente, fue estrenada el 13 de enero de 1989, nos muestra los intereses artísticos imperantes a finales del XIX y comienzos del siglo XX junto con su inevitable conexión con la música de salón más convencional.

Joaquín Achúcarro (Bilbao, 01 de noviembre de 1932).