29 sept 2017

El Abrazo de la Muerte

La Isla de los Muertos de Arnold Böcklin
Paris, 1907. Un hombre de considerable estatura, delgado y con aire distinguido y solemne, se encuentra petrificado delante de un cuadro. Sobrecogido por la escena que allí se relata, su mente no para de sugerirle compases y más compases, queriendo atrapar con música, ese maravilloso instante. En la pintura, una copia en blanco y negro del original, se contempla a un siniestro barquero que porta las almas de los muertos a un islote sereno y lúgubre. Se trata de una obra de Arnold Böcklin titulada “La isla de los muertos”.
Compuesta en 1908, un año después de la visión parisina, “La isla de los muertos, Op. 29” de Serguéi Rajmáninov, es considerada un claro ejemplo del postromanticismo ruso de principios del siglo XX.

"La Isla de los Muertos, Op. 29"
Royal Philharmonic Orchestra.
Jascha Horenstein, director.

Al igual que lo hiciera cuatro años antes Gustav Mahler en el comienzo de su séptima sinfonía, Rajmáninov introduce en los primeros compases, muy suavemente, un movimiento de balanceo, un vaivén que nos sugiere el rumor de las olas, utilizando para ello una figura recurrente en compás de 5/8, imitando así el movimiento acompasado del agua y del remo de Caronte atravesando la laguna del río Estigia.
De más lirismo en el tema introducido por las cuerdas, enfrentándose a la fuerza de los metales. Una lucha frenética entre la vida y la muerte que finaliza con la irrupción del “Dies Irae”, ese canto gregoriano de la misa de muertos que utilizará en tantas ocasiones el maestro para referirse a la mortalidad. Al final, vuelve el implacable sonido del remo contra las aguas. El anuncio de nuestro inexorable destino.

"La Isla de los Muertos, Op. 29"
(arreglo para dos pianos)
Zdeňka Kolářová y Martin Hršel

Como en el cuadro de Arnold Böcklin, quedamos atrapados en esa inquieta quietud, en esas oscuras aguas surcadas por la barca que, silenciosamente, se acerca a esa isla de altos cipreses que nos abraza como queriendo no dejarnos salir jamás.

Jascha Horenstein
Jascha Horenstein (Kiev, Ucrania, 06 de mayo de 1898 - Londres, Reino unido, 02 de abril de 1973).

22 sept 2017

Música Desnuda

Erik Satie
Nos encontramos en Honfleur, un pequeño pueblo en el norte de Francia. Es 17 de mayo de 1866, este día, de padre normando católico y madre escocesa anglicana, va a ver la luz por primera vez Erik Satie.
“Nací muy joven en un mundo muy viejo” llegaría a decir de sí mismo.
A los cuatro años de edad, por razones de trabajo del padre, la familia se muda a París. 
Pronto quedaría huérfano de madre y, junto a su hermano Conrad, sería enviado a vivir con sus abuelos, nuevamente a Honfleur. 
Gustave Vinot, un maestro de órgano prendado del gregoriano, fue su primer profesor de música. 
A la muerte de su abuela acaecida en 1878, regresan los hermanos a París. Y a los 12 años, Satie ingresa en el Conservatorio, de ingrato recuerdo y del cual, en carta abierta dirigida al mismo, escribiría: “De niño entré en vuestras clases; mi Espíritu estaba tan tierno que no supisteis entenderlo; y mi paso asombraba a las flores……
“A pesar de mi extremada juventud y mi agilidad deliciosa, con vuestra ininteligencia me hicisteis detestar el Arte grosero que enseñabais; por vuestra dureza inexplicable, me hicisteis despreciaros hace mucho tiempo”.
La primera composición de Satie parece ser un "Allegro" para piano fechado en 1884 en Honfleur en el que utiliza alguna melodía popular. Esta obra estuvo inédita hasta la década de 1970. Las dos siguientes obras, compuestas en 1885 y publicadas en un suplemento de la revista "La musique des Familles", fueron "Valse-Ballet" (que también fue publicado más tarde por su padre como Op. 62) y "Fantaisie-Valse".
En 1887, sin una mísera distinción ni diploma alguno, deja el conservatorio y se instala en Montmartre.

Erik Satie
Reinbert de Leeuw, piano.

La primera visita de Satie a "Le chat noir", cabaret fundado en 1881 por Rodolphe Salis, quien lo anunciaba como el "cabaret más extraordinario del mundo", parece ser que fue una noche a finales de diciembre de 1887. Ese día se estrenaba una obra para sombras chinescas, una adaptación de “La tentación de San Antonio” de Gustave Flaubert. Satie conoció a Rodolphe Salis esa noche y Vital Hocquet, amigo de Satie, le presentó ante Salis como "¡Erik Satie, gymnopedista!", a lo que Salis respondió "¡Qué profesión tan magnífica!". Más tarde, escribiría Satie al respecto de los cabarets: “ El cabaret, cuya mala reputación esta más que consolidada, ha tenido un papel bastante importante en la vida literaria y artística…. Hace tiempo yo estuve también a veces en Le Chat Noir y frecuente mucho L´Auberge de Clou, …,pero a escondidas se entiende. No creo que ir al café sea malo en si; confieso que trabaje mucho allí y creo que los ilustres personajes que fueron allí antes que yo no perdieron el tiempo. Se intercambian en ese lugar ideas que solo pueden ser provechosas”.
Durante los años finales de la década de 1880, Satie se siente atraído por el estilo gótico que inunda París y pasa largas horas en la Catedral de Notre Dame. De aquí nace Ogives, comenzadas en 1886 y publicadas en 1889, cuatro pequeñas piezas para piano en las que encontramos melodías modales, sin línea de separación de compases y armonía, con movimientos paralelos que evoca a la época medieval y al canto gregoriano.
Poco después de su presentación a Salis en Le chait noir, Satie comienza la composición de las Gymnopédies y es contratado como segundo pianista de Le chat noir.
”Nada resulta excesivo para recomendar al auditorio musical esta obra, esencialmente artística, que ha sido acertadamente considerada como una de las más bellas del siglo que ha visto nacer a este desgraciado gentilhombre”
Así se anunciaba en 1888 el estreno en "Le chat noir" de esta obra maestra.
En 1891 se convirtió en el compositor oficial y maestro de capilla de la orden rosacruz, liderada por Joséphin Péladas, componiendo para la misma algunas piezas de inspiración mística como "Salut Drapeau!", "Le Fils des étoiles" y Sonneries de la Rose Croix.
Satie solo estuvo con una mujer en toda su vida, la pintora impresionista Suzanne Valadon, de la que estuvo profundamente enamorado.

Erik Satie
Reinbert de Leeuw, piano.

A los 32 años de edad, Satie se traslada a la periferia parisina, ocupando una habitación sin agua ni calefacción y cuyo suelo es el techo del café donde trabaja: "Las Cuatro Chimeneas". Durante más de diez años, se olvida de la música —Memorias de un amnésico— y se implica en la vida comunitaria del humilde municipio de Arcueil: funda asociaciones, organiza encuentros, colabora con el periódico local, lleva de excursión a los niños de las escuelas. Cumplida la cuarentena, cuando Ravel, Debussy y Stravinski rinden tributo a sus creaciones iniciales, regresa al Conservatorio y estudia durante tres años contrapunto y composición.
En 1920. En la Galería de Arte Barbazagues, Satie presenta su “ Música de Mobiliario”
En una carta a J. Cocteau le escribiría: ”La Música de mobiliario es básicamente industrial. La costumbre, el uso, es hacer música en ocasiones en que la música no tiene nada que hacer…queremos establecer una música que satisfaga las necesidades útiles. El arte no entra en esas necesidades. La Música de mobiliario crea una vibración, no tiene otro objeto; desempeña el mismo papel que la luz, el calor y el confort en todas sus formas”.
Vendrían otras obras, todas rompedoras. Mágníficas. Se cruzarían en su vida incontables artistas que trazaron el retrato de Satie y adivinaron en sus rasgos los del Espíritu Nuevo: Utrillo, Casas, Rusiñol, Zuloaga, Valadon, Derain, Cocteau, Picasso, Picabia, Magritte, Brancusi, Gris (testigo en su procesamiento por difamación de 1917), Braque (quien compró su piano a título póstumo), Man Ray (quien lo definió como «el único músico con ojos»). Tan a gusto se sentía entre todos ellos que llegó a decir: ”He aprendido siempre mucho más de los pintores que de los músicos”.
Se codeó con los músicos más influyentes de su época, como el compositor Claude Debussy o Maurice Ravel. Debussy orquestaría las números 1 y 3 de sus "Gymnopédies".
El 1 de julio de 1925, afectado por la vida de privaciones que había elegido deliberadamente, murió en el hospital de Saint Joseph.
Jean Cocteau diría acerca de la música del Maestro: "La música de Satie va completamente desnuda". 

7 sept 2017

¡Gloria al Arte!

Alexander Scriabin
A Catana Pérez de Cuello, mujer cincelada a golpes de Arte.

Moscú, 16 de marzo de 1901. El director Vasili Safónov da la orden y la sala de conciertos comienza a llenarse de un delicioso sonido de carácter soñador, claramente impresionista. De pronto, las flautas, nos presentan un segundo tema dulcemente estático, trascurriendo la obra, edurante este su primer movimiento, de una manera contenida…
Así da comienzo la primera de las sinfonías de Alexander Scriabin. Una obra de juventud que va a marcar el inicio de un estilo diferente en la música que, por entonces, se estaba creando en Rusia.
En realidad, la obra tuvo un primer estreno sin el final coral, el 11 de noviembre de 1900 bajo la batuta de Liadov en San Petersburgo, siendo fríamente acogida por el público, con la consiguiente decepción de Scriabin.
En este, su segundo estreno, ya completa la sinfonía y en un concierto que se dedicó a la memoria de Nikolai. Rubinstein y dirigida, como hemos apuntado, por uno de sus mejores amigos y valedores de su obra, Vasili Safonov junto a la Russian Musical Society de Moscú, nuevamente se le dispensó una discreta acogida.

Sinfonía nº 1 en Mi mayor, Op. 26
Rundfunkchor Berlin.
Gerd Müller-Lorenz, director.

Estamos ante una obra cargada de lirismo y provista de una gran intensidad emotiva. En su segundo movimiento, allegro dramatico, nos presenta el maestro un tema enérgico, que contrasta con el que nos ofrece el clarinete, siendo la sección de desarrollo de un intenso dramatismo y cuyo tema secundario, gracias al fortsissimo de las trompetas y cuerdas, aumenta en expresividad.
Continúa la sinfonía con un tercer movimiento lento, una dulce cantinela cromática del clarinete al que le sigue un segundo tema que, progresivamente, va ganando fuerza y amplitud. Reaparece el tema del clarinete para volver a una nueva fase expansiva del segundo tema, conduciéndonos a una plácida coda.
El cuarto movimiento, vivace, es el scherzo de la sinfonía. Un motivo danzante inspirado en el vals, dando paso a una sección central más dramática, que correspondería al clásico trío. Seguidamente, se reanuda la danza.
El quinto movimiento, allegro, nos muestra un tema más dramático relacionado con el primer movimiento.
Llegamos al final de la sinfonía, un movimiento andante que empieza con una introducción de la flauta, antes de que la mezzo-soprano interprete las primeras líneas del texto escrito por el propio compositor y que consiste en un himno al Arte. El tenor canta la segunda estrofa dando paso, alternativamente, a la soprano en una sección en forma de  dúo y que termina con las siguientes frases:

En esta hora sombría y fría
en que el alma está llena de confusión
el hombre encuentra en ti la verdadera felicidad
del consuelo y el olvido.

Una sección orquestal actúa de interludio antes de que la mezzo-soprano continúe con la canción que, posteriormente, es interpretada por el tenor. Los temas usados son reminiscencias de los anteriores movimientos. Continúa el movimiento con un exaltado dúo, antes de dar paso a las frases finales.

Gentes de todo el orbe, unámonos todos, todos,
cantemos las loas del Arte.

La orquesta da paso a la fuga final cantada por el coro mixto sobre la breve frase siguiente.

Gloria al Arte, gloria por siempre, jamás.

Disfrutemos con esta música que es capaz de conectar al hombre con su lado más sagrado. Alexander Scriabin (1872-1915), consideraba el sonido como una esencia espiritual, un vehículo de expresión y de liberación metafísica. 
El fracaso de esta primera Sinfonía no desanimó al maestro, como así lo demuestran sus palabras: "les demostraré que tengo algo más que decir". 
En el mes de septiembre de 1901 le escribe una carta a Belaiev en la que le dice: "He estado trabajando todo el verano en una nueva sinfonía. Es muy larga y bastante complicada. Tendrá solamente cinco movimientos en vez de los seis de la primera sinfonía, pero será de lejos la más importante."