28 dic. 2014

El Agua de la Vida

Maurice Ravel
"Se ha afirmado con cierta insistencia que la aparición más temprana de mis Juegos de agua posiblemente influyó sobre la creación de Jardines bajo la lluvia, de Debussy, y se ha señalado una coincidencia aún más sorprendente en el caso de mi Habanera; pero debo dejar a otros los comentarios de este carácter. Sin embargo, muy podría ser que concepciones de carácter aparentemente análogo maduren en la conciencia de dos compositores diferentes casi en forma simultánea, sin que ello implique una influencia de uno de ellos sobre el otro".
Así se expresaba Maurice Ravel en 1928 cuando se nombraba su obra, "Jeux d'eau", como precursora de los "Jardines bajo la lluvia", última pieza de las "Estampes" de Claude Debussy. 
Datada en 1901 y dedicada "a mi querido maestro Gabriel Fauré", Juegos de agua, fue estrenada por Ricardo Viñes en la Sala Pleyel al año siguiente. La obra está encabezada por una cita del poeta francés Henry de Régnier: "Dieu fluvial riant de l'eau qui le chatouille..." (Dios fluvial riendo del agua que le hace cosquillas). En el mundo de la poesía simbolista el agua fue un componente psicológico cargado de significado.

Jeux d'eau
Jean-Yves Thibaudet, piano.

El estallido impresionista de la movilidad del agua y el arabesco caprichoso producen una obra extraordinaria de un gran virtuosismo. Está basada en dos temas, como el primer movimiento de una sonata clásica, pero sin verse atados al plan clásico de las tonalidades. Esas quintas, esas cuartas frágiles que parecen flotar perezosamente bajo los cristalinos arpegios de la mano derecha; esas sonoridades claras, transparentes, disponen una atmósfera que nos sugiere tanto el romanticismo de Liszt como el impresionismo de Debussy. 
Ígor Stravinsky comparó a Ravel con un "fabricante de relojes suizo", tal es la esmerada destreza y precisión del compositor de esta obra imperecedera.



Jean-Yves Thibaudet
Jean-Yves Thibaudet (Lyon, Francia, 07 de septiembre de 1961).

22 dic. 2014

Las Mujeres de Puccini

Giacomo Puccini
Si Julio Romero de Torres supo pintar como nadie a la mujer morena; Giacomo Puccini supo dibujar, con su música y de una manera inigualable, a las más gentiles, tiernas, delicadas y sufridas protagonistas de este género de música teatral que es la ópera. 
La mujer pintada con mayor lirismo es sin duda Mimì, la delicada y tierna vecina del poeta Rodolfo de "La Bohème". Es esa voz que posee un timbre cálido y efusivo, equilibrado de armónicos y de registros, de volumen muy apreciable, que ha de trabajar con asiduidad el registro central y que ha de enfrentarse a una orquesta bastante amplia.


La Bohème
"Si, mi chiamano Mimí"
Mirella Freni, soprano.

A Manon la dibuja como a ninguna. La diseña con la fragilidad de la mujer mundana y sensual, con la energía que ha de mover el impulso que la aferra a esa vida que se le escapa en el último acto. En esta "In quelle trine morbide", ha de dar un curso de manejo del color.


Manon Lescaut
"In quelle trine morbide"
Maria Callas, soprano. Philarmonia Orchestra.
Tullio Serafin, director.

Tosca, la célebre actriz y cantante, es dibujada por Puccini como una mujer apasionada, celosa y generosa, capaz de cualquier cosa por su amor. Requiere una voz que sepa plantar cara violentamente, con frases cercanas a lo declamatorio, a Scarpia y también deshacerse en las cantilenas con las que muestra su amor a Mario. Puccini diría que Tosca necesitaba de una voz ultradramática.


Tosca
"Vissi d'arte"
Angela Gheorghiu, soprano.

El pintor de almas, nos presenta a Butterfly con rasgos claroscuros. Por una parte, la expresión de un encanto casi infantil, es una niña de apenas quince años al comienzo de la ópera; de la otra, su afirmación de la condición de mujer rápidamente desarrollada, capaz de asumir acontecimientos y de adoptar decisiones trágicas.


Madama Butterfly
"Tu tu Piccolo iddio"
Renata Tebaldi, soprano.

Para Minnie, la Dueña del Salón "La Polka" de "La fanciulla del west", utiliza una mezcla de colores cogidos de Mimì, Tosca y Turandot. Un papel sin duda muy complejo, envuelto en permanentes tensiones, indefinido entre la joven angelical, en espera del amor y la gobernanta autoritaria de una comunidad masculina.


La fanciulla del West
"Laggiu nel Soledad"
Angela Gheorghiu, soprano.

En Turandot, Puccini nos pinta dos caracteres diferentes. Por un lado Liú, heredera directa de una Mimì, con rasgos de una Suor Angelica y, de pasada, de una Butterfly. Mujer sacrificada, de un lirismo luminoso y de una especial calidez, finura y frescura en su voz.


Turandot
"¡Signore, ascolta!"
Katia Ricciarelli, soprano. Vienna State Opera Orchestra.
Lorin Maazel, director.

Muy diferente es, por supuesto, el dibujo del personaje protagonista, la "Princesa de hielo". Rígida, autoritaria y rencorosa en un principio, para posteriormente y de una manera brusca, cambiar en su manera de actuar y de reaccionar. Escuchemos la terrorífica aria "In questa reggia". Potencia y metal agresivo, contundencia en los ataques, vibración y rotundidad, han de ser básicas condiciones para enfrentarse a esta pieza.


Turandot
"In questa reggia"
Birgit Nilsson, soprano.

Junto a las protagonistas anteriormente descritas y en la misma colección de pinturas lírico-dramáticas, podríamos situar las hechas a Suor Angelica de la ópera del mismo nombre...


Suor Angelica
"Senza mamma, o bimbo"
Renata Scotto, soprano.


... y a la Anna de "Le Villi"


Le villi
"Se come voi piccina io fossi"
Kiri Te Kanawa, soprano. London Philharmonic Orchestra.
John Pritchard, director.

Dicen que estamos hechos de cuerpo y alma. Yo añadiría una tercera sustancia, la nube. Cuerpo, alma y nube. Cerrad los ojos y dejad que este coro divino, os eleve y os conduzca hacia ese tercer elemento. Allí os espero.

Madama Butterfly
"The Humming Chorus"
Hungarian State Opera Chamber Chorus &Hungarian State Opera Orchestra.
Giuseppe Patané, director.

16 dic. 2014

El Héroe del Silencio

Ludwig van Beethoven
Viena, 22 de diciembre de 1808. Seis y media de la tarde. Hace un frío que corta la respiración. Todo se encuentra preparado en el "Theater an der Wien" para que de comienzo la "Akademie", nombre que reciben los conciertos organizados por nuestro compositor para difundir sus obras en las distintas Instituciones de Austria. El programa, tal y como refleja en su cuaderno de notas Ludwig van Beethoven, sólo iba a incluir dos Sinfonías y un Concierto para Piano; al final, se van a añadir hasta cinco obras más. La que hoy nos ocupa, el Aria concertante ¡Ah Perfido!, junto a la "Fantasía Coral", serían añadidas para dar más publicidad al evento y poder así atraer a un mayor número de asistentes.
El Aria de Concierto "Ah, perfido!" es una obra para Soprano y Orquesta que Beethoven escribió y estrenó en 1796 durante su estancia en Praga, por tanto, 12 años antes de este "Akademie". Dedicado a la condesa Josephine von Clary Clam-Gallas, el aria, sobre texto de Metastasio, relata el dolor de una mujer que ha sido traicionada y cuyo amante ha decidido marcharse. Ella, al principio, amenaza con vengarse invocando la ayuda de los Dioses, para más tarde, desesperada ante la idea del abandono, detener su venganza y suplicar piedad. Estos sentimientos de odio y amor enfrentados, fueron modelados sobre el Aria de Concierto de Wolfgang Amadeus Mozart "Bella mia fiamma, addio!", con la misma estructura de Recitativo - Aria - Cabaletta. Por su carácter dramático hay quien señala esta obra como precursora de la nueva ópera romántica.

¡Ah perfido!
Hanne-Lore Kuhse, soprano.
Staatskapelle Berlin. Arthur Apelt, director.

Volvamos al 22 de diciembre de 1808. El Theater an der Wien, carece de calefacción. El público no se encuentra nada cómodo. Las bajas temperaturas, para la sonoridad de los instrumentos e incluso para la ejecución de los músicos, no favorecen en absoluto. Otro percance hay que unir a los anteriores, este relacionado con la obra que acabamos de escuchar. Debido a desavenencias de última hora y al aviso con tan poco margen de tiempo, a tres semanas del concierto el programa todavía no se encontraba cerrado, la soprano Anna Milder-Hauptmann, destinataria del Aria de Concierto, no pudo acudir y se tuvo que buscar rápidamente a una cantante que la sustituyera. La elegida, Josephine Killitschgy, una joven de 17 años con poca experiencia, sortea con dificultades y bastantes fallos dicha aria. Si a todos estos inconvenientes, le añadimos la larga duración del evento, más de cuatro horas, diremos que los asistentes al concierto salieron con un mal sabor de boca. Se podría resumir en las palabras de Anton Felix Schindler, "fracasó, simplemente".
Ludwig van Beethoven, cercano ya a los cuarenta años de edad, era consciente y tenía la certeza de que su sordera, en pocos años, se iba a convertir en absoluta. Este hecho, se convirtió en su principal motivación para, a modo de despedida, coger la batuta y asumir la dirección de tan monumental concierto, uno de los más importantes de la historia de la música occidental. 
¡Alabado sea por siempre el Héroe del Silencio!


Hanne-Lore Kuhse
Hanne-Lore Kuhse (Schwaan, 28 de marzo de 1925 - Berlin, 10 de diciembre de 1999)

11 dic. 2014

Un Amor de Fantasía

Hector Berlioz
París, 1827. Un joven muchacho se cuela en el Teatro Odeón. Allí, una compañía irlandesa se dispone a escenificar el “Hamlet” de Shakespeare. Se abre el telón y da comienzo la función. De pronto, en el escenario, aparece Ofelia. El papel lo representa una hermosa actriz de nombre Harriet Smithson. Nuestro joven, aunque apenas puede entender los diálogos en inglés que salen de su boca, los gestos, las maneras y sobre todo la belleza de la muchacha lo encandilan hasta el punto de quedar perdidamente enamorado. Numerosas son las cartas de amor que Hector Berlioz, nombre de nuestro joven enamoradizo, enviaría a la bella actriz sin obtener respuesta alguna.
Berlioz, un estudiante de medicina que abandonó la profesión para dedicarse a la música, no era, en esos momentos, lo que podríamos decir un compositor destacado, de hecho, no había estrenado ninguna obra aún, pero en su locura enamoradiza, ideó un plan para atraer la atención de la bella Harriet. Se dispuso a componer una gran obra para así poder alcanzar la fama suficiente y deslumbrar a la joven artista. Consiguió, de esta manera, estrenar en el Conservatorio de París dos obras. Pero estas composiciones no tuvieron apenas repercusión. Berlioz continuó con su tarea de mandar cartas y más cartas a su amada..., hasta el punto de que Harriet, pidió a su criada que se deshiciera de toda la correspondencia que tuviera como remitente a nuestro querido compositor.
El rechazo de Harriet, provocó en Berlioz cambios repentinos de humor. Se le veía vagabundear y fantasear por las calles de París con la joven amada en sus pensamientos... 
Su última oportunidad de conquista, le llega en un teatro Parisino. Allí actúa Harriet. Antes de que empiece la función, Berlioz consigue que se interprete una obertura suya. La joven, sin embargo, se mantiene totalmente ajena a tal acontecimiento. Más tarde, durante el transcurso de la representación, Berlioz comienza a vociferar y a gritar a la actriz desde la grada. Ella, asustada, pide que alejen a aquel "loco" de su presencia.
Han pasado tres años. Nos encontramos en 1830. Berlioz está decidido a volcar todos sus sentimientos, pasiones y desilusiones vividas en una obra musical. Se tratará de una sinfonía prácticamente autobiográfica. Aunque esa obra se va a gestar con fragmentos de obras anteriores, Berlioz, consigue dotarla de una unidad mediante un programa y una “ideé fixe”, es decir un "leitmotiv" que se va a mantener constante durante todos sus movimientos. Esta idea, reflejará su amor por su querida Harriet (Tema de la Amada). 
Diez días antes del estreno de su "Episodio de la vida de un artista", Berlioz publica en la prensa un folleto explicando una trama asociada a la sinfonía a la que calificó de “Drama Instrumental”: "El programa que sigue debe ser entendido como el texto hablado de una ópera, destinado a introducir ciertas piezas de música, cuyo carácter y expresión originan”. 

Sinfonía Fantástica
1.- Sueños y pasiones. 2.- Un baile. 3.- Escena en el campo. 
4.- Marcha al cadalso. 5.- Sueño de una noche de aquelarre.
Orchestre National de France. Leonard Bernstein, director.

La Sinfonía Fantástica se estrenó el 5 de Diciembre en el Conservatorio de París. Rápidamente se convirtió en todo un éxito. Entre el público se encontraban presentes personajes ilustres, entre ellos, un joven de 19 años, Franz Liszt, quien trascribió la Sinfonía para el piano. Fue esta transcripción la que le entregó a Robert Schumann para que conociera y criticara la obra de Berlioz, críticas que fueron muy positivas. A partir de entonces, Berlioz comienza a adquirir fama y gana el Premio de Roma que lo lleva a estudiar a esa ciudad. Es en Italia donde revisa la sinfonía y la amplía con un nuevo programa y un monólogo inicial. El conjunto pasa a llamarse entonces "Lélio, o el retorno a la vida". Esta nueva versión se reestrena en París en 1832. 
El día del estreno, entre el público asistente, se encuentra Harriet Smithson. Lélio, el personaje cuyo monólogo sirve de preludio a la nueva versión de la Sinfonía, pronuncia su frase: “…esta Julieta, esta Ofelia, a la que busca siempre mi corazón". Es en ese momento en el que Harriet comprende que el compositor de esta obra es el hombre que, en otro tiempo, le había colmado de cartas de amor y ella, la mujer que le había inspirado y también "torturado" con su indiferencia. Finalizado el concierto, Berlioz y Harriet por fin llegan a conocerse y, para sorpresa de todos, en poco tiempo contraen matrimonio. Un matrimonio que se prolongará hasta 1840 y que estará plagado de penalidades.

10 dic. 2014

Una Sonata para un Tiempo Perdido

César Franck
“Cuando el pianista acabó de tocar, Swann estuvo con él más amable que con nadie, debido a lo siguiente: El año antes había oído en una reunión una obra para piano y violín. Primeramente sólo saboreó la calidad material de los sonidos segregados por los instrumentos. Le gustó ya mucho ver cómo de pronto, por bajo la línea del violín, delgada, resistente, densa y directriz, se elevaba, como en líquido tumulto, la masa de la parte del piano, multiforme, indivisa, plana y entrecortada, igual que la parda agitación de las olas, hechizada y bemolada por la luz de la luna. Pero en un momento dado, sin poder distinguir claramente un contorno, ni dar un nombre a lo que le agradaba, seducido de golpe, quiso coger una frase o una armonía. No sabía exactamente lo que era lo que, al pasar, le ensanchó el alma, lo mismo que algunos perfumes de rosa que rondan por la húmeda atmósfera de la noche tienen la virtud de dilatarnos la nariz. Quizá por no saber música le fue posible sentir una impresión tan confusa, una impresión de esas que acaso son las únicas puramente musicales, concentradas, absolutamente originales e irreductibles a otro orden cualquiera de impresiones.”
Sirva este fragmento de la obra inmortal que Marcel Proust escribiera a principios del siglo XX, "En busca del tiempo perdido”, para presentaros la pieza musical que el escritor refirió en su maravillosa novela, la Sonata para violín y piano en La mayor de César Franck. 
Dedicada al violinista Belga Eugene Ysáye y estrenada en el Círculo artístico de Bruselas en diciembre de 1886, nos encontramos ante la sonata romántica por excelencia de la música de cámara francesa del siglo XIX. Adopta la forma cíclica, donde el tema o idea principal recorre todos los movimientos de la obra, transformándose continuamente y evolucionando en nuevas figuras, pero siempre perfectamente reconocible. 
El primer movimiento, Allegretto moderato, posee la forma sonata con dos temas sin desarrollo. El piano instala el clima y la armonía en cuatro compases, antes de la exposición del primer tema por el violín. Un canto flexible y arrullador, se extiende y se repite de forma casi obsesiva. El segundo tema es presentado por el piano durante el silencio del violín, y ambos temas se reúnen antes de concluir apaciblemente.

Sonata para violín y piano en La mayor.
1.- Alegretto moderato. 2.- Allegro. 
3.- Recitativo-Fantasía. 4.- Alegretto poco mosso.
Janine Jansen, violín. Kathryn Stott, piano.

El segundo movimiento, Allegro, es el más apasionado de la sonata. El piano instala de nuevo el clima, palpitante, antes de presentar el primer tema, particularmente lírico. El violín lo repite, jadeante. El segundo tema, en el violín, se basa en la “pequeña frase” ahora inestable por el acompañamiento en tresillos del piano. Todos los elementos musicales irán dialogando en crescendo hasta la poderosa y rápida coda. 
En el Recitativo-Fantasía del tercer movimiento, una vez más, la célula cíclica regresa y alimenta el conjunto del movimiento. Tras sucesivas intervenciones, las partes de piano y violín se superponen hasta el punto central, más dramático, antes de la coda final que recuerda la frase inicial con matices pianissimo.
El Allegretto poco mosso, cuarto y último movimiento, adopta la forma tradicional del rondó a la francesa, con la alternancia de couplets y estribillo. César Franck "juega" con tonalidades siempre diferentes (sucesivamente la mayor, si bemol menor, re sostenido menor, fa menor). El tema del estribillo, muy dulce, es enunciado en canon entre el piano y el violín. El desarrollo central, tumultuoso y de carácter inquieto, deja paso a la reexposición tradicional y a la brillante coda conclusiva.
“Esta vez, Swann había distinguido claramente una frase que se elevaba durante unos instantes por encima de las ondas sonoras. Inmediatamente le provocó especiales voluptuosidades que nunca había sentido antes de escucharla, y sintió que ninguna otra se las podría evocar, experimentando por ella un desconocido amor…”.

5 dic. 2014

Los Inseparables

Wolfgang Amadeus Mozart
“Sabrá usted que ha muerto el Bach de Londres ¡Qué pérdida para el mundo musical!”. 
Quien así se expresa, en una carta dirigida a su padre Leopold fechada el 10 de abril de 1782, no es otro que Wolfgang Amadeus Mozart.
Nos trasladamos ahora al mes de junio de 1763, concretamente al lunes día 6. La familia Mozart al completo: Leopold, su esposa Anna Maria y sus dos hijos, Maria Anna (Nannerl) y Wolfgang Amadeus, emprende el conocido como "gran viaje"; una larga gira de conciertos que se prolongará durante tres años y medio y que les llevará a recorrer las cortes de Múnich, Mannheim, París, Londres, La Haya, otra vez a París y vuelta a casa pasando por Zúrich, Donaueschingen y Munich. Las interpretaciones de los niños, Nanerl tenía apenas doce años y Wolfgan tan sólo ocho, inspiraron comentarios de admiración y asombro dondequiera que actuaban. En Londres, Wolfgang conoce a algunos de los músicos más destacados de la época; escucha su música y compone sus primeras sinfonías. En particular y de gran importancia, va a ser el encuentro que mantendrá en esta ciudad con Johann Christian Bach, (el Bach de Londres). Muchos eruditos sostienen que este acercamiento supuso una de las más importantes influencias que recibió Mozart, aprendiendo de aquel la utilización de atractivas y brillantes texturas musicales.
El padre de Mozart, refiriéndose a ellos, diría que se convirtieron durante ese período de tiempo en "inseparables", tal era la química que surgió entre los dos. El joven Johann Christian tomaba en sus rodillas al niño Mozart y asombrado de sus dotes se deleitaba escuchándolo. Se sentaban juntos al órgano y tocaban horas y horas… 
Mozart, como homenaje a su amigo, transformaría las Sonatas de su opus 5, concretamente la n.º 2 en re mayor, la n.º 3 en sol mayor, y la n.º 4 en mi bemol mayor en sus tres conciertos para piano del KV 107. 

Concierto para Piano KV. 107, nº 1
1.- Allegro. 2.- Andante. 3.- Tempo di Menuetto.
Viviana Sofronitzki, clave.
Musicae Antiquae Collegium. Tadeusz Karolak, director.


Concierto para Piano KV. 107, nº 2
1.- Allegro. 2.- Allegretto.
Viviana Sofronitzki, clave.
Musicae Antiquae Collegium. Tadeusz Karolak, director.


Concierto para Piano KV. 107, nº 3
1.- Allegro. 2.- Rondo.
Viviana Sofronitzki, clave.
Musicae Antiquae Collegium. Tadeusz Karolak, director.

Posteriormente y a raíz del fallecimiento de Johann Christian Bach ocurrido el 1 de enero de 1782, como homenaje sentido, Mozart utilizaría en el segundo movimiento, "Andante", de su Concierto para Piano nº 12 en La mayor que estaba componiendo en ese momento, un tema muy parecido al que utilizó Johann Christian en su obertura "La calamita de cuori". Se trata del epitafio musical que quiso tributar el joven genio al que fuera su "inseparable" maestro y amigo.

Concierto para Piano nº 12 en La mayor, KV 414
1.- Allegro. 2.- Andante. 3.- Allegretto.
Mitsuko Uchida, piano.
English Chamber Orchestra. Jeffrey Tate, director.

28 nov. 2014

Armida de Lully

Jean-Baptiste Lully
En los albores del siglo XVII, la única forma musical representada en Francia, era el ballet cortesano. Es en 1669 cuando tiene lugar un hecho notable en pos del nacimiento de la ópera francesa, la creación en París de la “Academie Royale de Musique” (el actual teatro de la ópera), auspiciada por el monarca Luis XIV ("El Rey Sol").
Pues bien, a quien se le otorga el mérito de haber dado forma y consistencia en Francia a este hermoso arte de las emociones que es la ópera, es al compositor, instrumentista y bailarín de origen italiano Jean Baptiste Lully. Éste creó, con la colaboración de Philipe Quinault, lo que vendría a ser la forma original de la ópera francesa: la tragedia lírica, inspirada en la tragedia clásica. Armida se considera, en este sentido, su obra maestra.
Esta ópera o “tragédie lyrique”, consta de un prólogo y cinco actos; y está basada en el poema épico “Gerusalemme Liberata” (Jerusalén liberada) de Torquato Tasso. Fue estrenada el 15 de febrero de 1686 en el Théâtre du Palais-royal de París.
Lully y Quinault fueron capaces, con Armida, de crear un “continuum” sonoro en el que se establecían pocas diferencias entre las arias y los recitativos, configurando una forma de expresividad natural muy eficaz a la hora de cautivar a los espectadores que se anteponía al virtuosismo vocal de la ópera italiana. El paradigma de este modelo, lo representa el recitativo "Enfin, il est en ma puissance".

Armide 
Armide: Rinat Shaham.
Les Arts Florissants. William Christie

El tema de la ópera Armida, cuya acción se centra en el asedio de Jerusalén durante la primera cruzada, fue elegido por el mismo Luis XIV, aunque éste no asistió a su estreno ni la obra fue representada en la corte.
En su argumento, que aquí expongo muy resumido, se cuenta que la maga Armida, ha desatado toda su furia para detener a los enemigos de su reino. Gracias al hechizo de su mirada, ha logrado capturar a cientos de ellos; pero no ha podido hacerlo con Rinaldo. Aunque consigue seducirlo e incluso está próxima a darle muerte, no logra cometer el crimen porque se ha enamorado del joven guerrero…Finalmente, derrotada y abandonada por Rinaldo, que se convierte en su amante, Armida llora perdidamente su traición y la partida de éste.

William Christie
William Christie (Buffalo, 19 de diciembre de 1944)

23 nov. 2014

El Retablo de Maese Pedro

Manuel de Falla
Manuel de Falla, tras la muerte de sus padres, decide establecerse en Granada. Corre el año de 1920. Después de vivir durante un largo tiempo en la vivienda de su amigo Ángel Barrios, ubicada en la misma calle de la Alhambra y ya a finales de 1921, encuentra la que va a ser su residencia definitiva en dicha ciudad, un pequeño "carmen" enclavado en la calle Antequeruela Alta, actualmente "Casa Museo Manuel de Falla", donde se instala con su hermana María del Carmen. 
A Falla, le gustaba asistir a las tertulias de "El Rinconcillo”, reuniones que se celebraban en un céntrico café de Granada hoy ya desaparecido. Allí entabló amistad con Miguel Cerón, Fernando de los Ríos, y entre otros y sobre todo con Federico García Lorca. 
Es en este preciso momento en el que Falla se replantea un cambio en su lenguaje musical, fruto del cual verían la luz “El retablo de maese Pedro”,obra que nos ocupa, y el "Concerto para clave y cinco instrumentos".
Compuesta "como homenaje devoto a la gloria de Miguel de Cervantes" y fruto de un encargo al músico gaditano de la Princesa de Polignac, el libreto del retablo está basado en los capítulos XXV y XXVI de la "Segunda Parte" de la obra inmortal que escribiera Cervantes, "Don Quijote de la Mancha". En estos capítulos se narra como el ingenioso hidalgo, cuando estaba presenciando el retablo del titiritero Maese Pedro, donde se contaba la historia de Melisendra, esposa de don Gaiferos a quien tenía cautiva el rey Moro Marsilio y de como su marido la libera; al llegar al final de la representación donde la pareja es perseguida por los moros, nuestro Quijote, se puso a destruir el teatro y los muñecos, con el fin, según él, de salvar a los fugitivos. Este acto fue presenciado y soportado con gran asombro y desesperación tanto por parte del Maese Pedro como por todos los asistentes al espectáculo.

El Retablo de Maese Pedro

La obra se estructura en un solo acto con la participación de tres cantantes y marionetas. Consta de las siguientes partes, que se van desarrollando sin interrupción: El pregón • La sinfonía de maese Pedro • Historia de la libertad de Melisendra • Cuadro I. La corte de Carlomagno • Cuadro II. Melisendra • Cuadro III. El suplicio del moro • Cuadro IV. Los Pirineos • Cuadro V. La fuga • Cuadro VI. La persecución • Final
El retablo, en su versión escénica, se estrenó el 25 de junio de 1923 en el palacete de la Princesa Polignac en París. Se utilizaron decorados y figurines de Manuel Ángeles Ortiz y títeres con cabezas y figuras planas de Hermenegildo Lanz. A dicho estreno asistió la selecta corte de la princesa, poetas, músicos y pintores. Cinco días después, Corpus Barga (seudónimo de Andrés García de Barga y Gómez de la Serna), firmaba una crónica en el periódico "El Sol" con el retrato de algunos de los presentes: Paul Valéry, "el poeta de hoy, que hace gestos de náufrago entre las ondas de los hombros femeninos"; Stravinsky, "un ratón entre las gatas", o Pablo Picasso, "de etiqueta, y rodeado por todas partes, parece que está apoyado en una esquina y que tiene la gorra caída sobre una ceja".

19 nov. 2014

Los Momentos de Schubert.

Franz Schubert
El momento musical es un género nacido en el Romanticismo e iniciado por Franz Schubert. Suele tratarse de una pieza de corta duración y carácter muy expresivo que sigue, generalmente, la estructura ABA. Aunque también puede venir presentada con una estructura totalmente libre.
La colección de los seis Momentos musicales Op. 94 de Schubert, fue publicada en 1828 durante el último año de vida del compositor. Bien es verdad que algunas de las piezas datan de años anteriores, concretamente, de comienzos de 1820.
Estas breves piezas para el teclado, juntas, combinan el sonido de los períodos barroco y clásico e incluso también abarcan el nuevo idioma del período romántico.
En 1823, Schubert, publicaría su popular "Air russe", utilizada posteriormente en la tercera pieza de dichos momentos. Uno de los más populares.

Momentos Musicales
1.- Moderato en Do mayor. 2.- Andantino en La bemol mayor. 
3.- Allegro moderato en Fa menor. 4.- Moderato en Do sostenido menor. 
5.- Allegro vivace en Fa menor. 6.- Allegretto en La bemol mayor
Friedrich Gulda, piano.

Si escuchamos atentamente el cuarto "Momento", vemos que Schubert quiso incluir un  homenaje a Johann Sebastian Bach.
Junto con el "Impromptu", estas piezas se encuentran entre las obras interpretadas con mayor frecuencia de las composiciones para piano de Schubert. Se ha dicho que éste estuvo profundamente influido por el "Impromptus, Op. 7", de Jan Václav Hugo Voříšek
El sexto momento se publicó en 1824 en un álbum navideño, bajo el título de "Les Plaintes d'un trovador"(Quejas de un trovador).

Friedrich Gulda
Friedrich Gulda (Viena, Austria 16 de mayo de 1930 - 27 de enero de 2000).




16 nov. 2014

Matías el Pintor

Paul Hindemith
“Soy un artista y voy a servir a la humanidad sólo a través de mi arte”.
Mientras que Paul Hindemithautor de este pensamiento, creaba su ópera “Mathis der Maler” (Matías el Pintor), en su tierra de nacimiento, Alemania, las libertades personales y las artísticas se encontraban amenazadas. La Alemania nazi tildó, entre otras, su música como “degenerada” y a pesar de sus esfuerzos e incluso los del director Wilhem Furtwángler, que intercedió ante las autoridades por él, finalmente en 1938, Hindemith tuvo que exiliarse a Suiza.
La ópera fue iniciada en 1933. Posteriormente y dentro de ese mismo año, utilizando el material empleado en dicha ópera, Hindemith compondría una sinfonía que tituló con su mismo nombre y que es la obra que os presento a continuación. Su estreno se llevó a cabo el 12 de marzo de 1934, siendo interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la batuta de Wilhelm Furtwángler.
Hindemith, eligió como personaje de esta obra, que representa el aislamiento del artista en general, a un pintor alemán del siglo XVI, Matthias Grünewald. Según las palabras del propio compositor, Grünewald encarna "los problemas, deseos y dudas que han ocupado las mentes de todos los artistas serios desde las épocas más remotas". "¿Para quién se crean las obras de arte? ¿Cuál es su propósito? ¿Cómo puede un artista hacerse comprender por su adversario?"
Por tanto, con este personaje, quiso dar voz a todos los artistas, de todos los tiempos, que han experimentado el conflicto entre el arte y la vida.

Mathis der Maler
1.- Engelkonzert. 2.- Grablegung. 3.- Versuchung des heiligen Antonius
Swedish Radio Symphony Orchestra.
Sergiu Celibidache, director. 

Cada movimiento de esta sinfonía, describe una de las pinturas de Grünewald, concretamente las que el artista plasmó en su monumental políptico que creó para el altar de la abadía de Isenheim y, a su vez, representa simbólicamente un aspecto de sus luchas interiores. Grünewald se identificaba, en un principio, con los ideales revolucionarios de los campesinos de su época, que luchaban contra el poder del cardenal Albrecht von Brandenburg (por otro lado, mecenas del pintor), pero las mismas arbitrariedades cometidas por los insurrectos provocaban en su ánimo terribles dudas.
Comienza la obra utilizando el material de la obertura de la ópera. En su primer movimiento “Engelkonzert” (El Concierto de Ángeles), un coro de ángeles canta himnos por el nacimiento de Cristo.
El segundo movimiento, “Grablegung” (Entierro), tomado de un interludio de la escena final de la ópera, está basado en la pintura que muestra el entierro de Jesús. En esta escena, Grünewald se aparta del mundo, sumergiéndose en el universo privado del artista.
En el movimiento final, “Versuchung des heiligen Antonius” (Las Tentaciones de San Antonio), se describe la lucha entre el arte y el mundo exterior que se entabla en el alma del pintor. El movimiento lleva el lema: "¿Dónde estabas tú, mi buen Jesús, dónde estabas tú, por qué no me auxiliaste ni curaste mis heridas?". En esta escena de las tentaciones, las dudas y deseos de Grünewald, que tienen un paralelo con las del santo, avanzan hasta el punto culminante, emocionalmente hablando, de toda la obra. Hacia el final del movimiento, el canto del coral "En alabanza de Sión que nos salvará", la fe, se muestra vencedora. Ha superado las angustias y las dudas de San Antonio, las de Grünewald y quizá también las del propio Hindemith.

Termino con una reflexión ¿Por qué ese miedo de los dictadores ante el arte en general y el musical en particular? ¿No será que, quizá su habitual incapacidad para entenderlo, provoca que vean enemigos tras las rejas del pentagrama?

Sergiu Celibidache
Sergiu Celibidache (Roman, Rumania, 28 de junio de 1912 - La Neuville-sur-Essonne, Francia, 14 de agosto de 1996).

14 nov. 2014

Caprichos y tonterías.

Manuel de Falla
Manuel de Falla compuso en sus primeros años de compositor y antes de la que consideraba su primera obra digna de figurar en su catálogo, "La vida breve" que data de 1905, más de una treintena de obras. 
Refiriéndose a estas piezas de juventud escribiría al respecto: “…Lo que publiqué antes de 1904 no tiene el más mínimo valor. Todas son tonterías, algunas escritas entre los 17 y 20 años, aunque publicadas después. Un Nocturno, por ejemplo, que escribí siendo apenas un niño. Cuando se lo enseñé, mucho tiempo después, a un editor de Madrid, pensó que podía interesar y lo publicó, y esto fue todo…”

Nocturno
Joaquín Achúcarro, piano

Compuesto en 1896 y estrenado por él mismo en Cádiz, concretamente en el Salón Quirell en el año de 1899, este nocturno es monotemático con alguna pequeña modificación. De forma tripartita: A-B-A, lejos de las profundas influencias nacionalistas e impresionistas que marcarían su obra posterior, el joven Falla nos muestra en esta pieza su gran admiración por Chopin, componiendo una obra de estética totalmente romántica.

Vals Capricho
Joaquín Achúcarro, piano

"El Vals Capricho" data del año 1900. Fue estrenado por Manuel de Falla en el Ateneo de Madrid el 6 de mayo de ese mismo año. Junto a la Mazurca en do menor, inédita entonces y descubierta posteriormente, fue estrenada el 13 de enero de 1989, nos muestra los intereses artísticos imperantes a finales del XIX y comienzos del siglo XX junto con su inevitable conexión con la música de salón más convencional.

Joaquín Achúcarro
Joaquín Achúcarro (Bilbao, 01 de noviembre de 1932).

10 nov. 2014

Alban Berg, un Ángel y Bach.

Alban Berg
El Concierto para violín de Alban Berg, también conocido como “Dem Andenken eines Engels” o “A la memoria de un ángel”, fue iniciado en abril de 1935. En el momento de su composición, Alban Berg se encontraba en lo más alto de sus facultades creativas. Desgraciadadamente, también se encontraba en sus últimos días de vida. En palabras de su esposa Helene Karoline Berg: 
"Alban, en cama, enfermo y torturado por el dolor, trabajaba frenéticamente y sin interrupción para concluir la composición de su Concierto para Violín. Rehusando detenerse ni para comer ni para dormir, movía inexorablemente la mano afiebrada. 'Debo continuar', respondía a [mis] súplicas, 'no puedo detenerme, no tengo tiempo'."
El concierto quedó finalizado en agosto, Berg tenía 50 años. En diciembre hubo de ser llevado al hospital, aparentemente víctima de un envenenamiento de la sangre producido por abscesos. La infección generalizada fue probablemente debida a la picadura de un insecto. A pesar de las operaciones y de las transfusiones de sangre, no mejoró. El 23 de diciembre anunció: «Hoy será un día decisivo.» Murió poco después de medianoche del día 24.

Concierto para Violín "A la memoria de un ángel"
1.- Andante, Allegretto.  2. Allegro, Adagio.
Leonid Kogan, violín. The USSR Radio & TV Large Symphony Orchestra.
Gennady Rozhdestvensky, director.

Manón Gropius, es el nombre de nuestro “ángel” de la dedicatoria. Era la hija que tuvo Alma Malher, amiga de Alban Berg y viuda entonces del compositor Gustav Mahler, con el arquitecto Walter Gropius. Ya desde muy pequeñita se ganaba el cariño de todo aquel que la conocía. Su madre comentaría al respecto de la relación de su hija con Berg: 
"Alban Berg amó a mi hija desde que nació como si fuera suya. Ella se hacía más y más hermosa a medida que crecía. Cuando Max Reinhardt la conoció, me pidió que le permitiera interpretar el papel del primer ángel en Grosses Weltíheater en Salzburgo. Pero antes de que pudiera hacerse ningún arreglo al respecto, ella fue atacada por la parálisis infantil. De modo que permaneció en cama a lo largo de un año y murió el día de Pascua de 1935. No hizo el papel del ángel sino que, en realidad, se convirtió en uno. Después de su muerte, Berg no pudo terminar su propia ópera, Lulú. Compuso el Concierto para Violín y lo dedicó a la memoria de Manón."
¿Pero y Bach? ¿Qué pinta en esta obra donde Berg utiliza la técnica dodecafónica de su maestro Schönberg?. Pues resulta que nuestro autor, mientras trabajaba en el concierto, escribió a Willi Reich , a la sazón musicólogo de origen austriaco, pidiéndole algunos corales de Bach; éste le envió la música solicitada y Alban Berg descubrió que uno de los corales empezaba con las últimas cuatro notas de la serie tonal con la que estaba trabajando. Fue el coral así integrado, último movimiento del concierto, de una manera lógica sin que la repentina aparición de la tonalidad, en una obra dodecafónica, pareciese arbitraria. Se trata del coral "¡Es ist Genug!" ("¡Es suficiente!"), cuyo texto dice: 
"¡Es suficiente! ¡Señor, cuando Tú quieras, puedes liberarme de mi yugo! ¡Mi Jesús vendrá: ¡buenas noches, mundo! Me iré a la morada celestial, me iré con seguridad y alegría, mi gran desolación ha quedado atrás. ¡Es suficiente!".
El Concierto para violín, al final, se convertiría en el propio réquiem de Alban Berg. La obra fue estrenada póstumamente por Louis Krasner, en el Palau de la Música Catalana el 19 de abril de 1936, con Hermann Scherchen dirigiendo a la orquesta.

6 nov. 2014

El Rococó y unas Variaciones variadas.

Piotr Ilich Chaikovski
El término Rococó, movimiento artístico nacido en Francia (aprox. 1730-1760), en sus orígenes, era aplicado a un tipo de tallado muy elaborado en piedra (rocaille en francés), y por extensión, se aplicaba también al trabajo pictórico de artistas y a algunas muestras análogas de arquitectura y artes decorativas. En música, se utilizó para definir un estilo de arte ligero y fresco que vino a sustituir a las complejidades contrapuntísticas de la música barroca. Una música muy intimista y realizada de forma extremadamente refinada. Entre sus máximos exponentes, entre otros, Jean Philippe Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach y Georg Philipp Telemann...
El motivo fundamental para la creación de las Variaciones rococó fue el amor de Piotr Ilich Chaikovski por la música de Mozart. En una de las páginas de su diario escribe: "Me gusta tocar a Bach porque es interesante tocar una buena fuga, pero no lo considero, como lo consideran los demás, un gran genio. Händel es de cuarta categoría, ni siquiera es interesante. Simpatizo con Gluck a pesar de su escaso talento. También me gustan algunas cosas de Haydn. Estos cuatro grandes maestros han sido superados por Mozart. Son rayos que se extinguen ante el sol de Mozart". 
Es por tanto el recuerdo de la música de Mozart y el espíritu rococó que inunda algunas de sus obras, lo que inspiró a Tchaikovsky para componer sus Variaciones. El homenaje se encuentra en los cánones, los diseños ternarios y las formas semejantes al rondó, elementos todos relacionados directamente con el estilo mozartiano.


Variaciones sobre un tema rococó en La mayor, Opus 33
Moderato assai casi Andante. Var.I: Tempo della Thema. Var.II: Tempo della Thema.
Var.III: Andante sostenuto. Var.IV: Andante grazioso. Var.V: Allegro moderato.
Var.VI: Andante. Var.VII e Coda: Allegro vivo.
Mstislav Rostropovich, cello. Royal Concertgebouw Orchestra.
Kirill Kondrashin, director.

La obra, de marcado corte clásico, tras una introducción orquestal y un tema inicial expuesto por el chelo, se desarrolla a través de variaciones separadas por intervenciones solistas e interludios orquestales bellísimos. Fue dedicada al chelista y profesor del conservatorio de Moscú, Wilhelm Fitzenhagen quien la estrenó el 30 de noviembre de 1877. Chaikovski no estuvo presente en dicho estreno, pues había dejado Rusia para recuperarse de su desastroso matrimonio que lo había llevado al borde de la autodestrucción. La versión más popular no es la original del compositor, sino la arreglada por Fitzenhagen que hizo algunas correcciones adicionales alterando variaciones y fusionando otras, presentando la obra modificada luego al publicista Jurgenson, en una versión "corregida y autorizada por el autor". 
Según escribe el chelista a Chaikovski cuando éste interpretó la obra en Alemania, en el Festival de Wiesbaden, Franz Liszt se le acercó y le dijo: "al fin escuchamos de nuevo verdadera música". 
Probablemente este hecho, persuadió a Chaikovski a adoptar la versión alterada por Fitzenhagen.
Disfrutemos de estas variaciones donde, como a nosotros nos ocurre en la vida misma, el intérprete debe enfrentarse a un amplio abanico de estados anímicos que oscilan, entre la más exultante de las alegrías, a la más profunda de las melancolías.


Mstislav Rostropóvich
Mstislav Rostropóvich (Bakú, 27 de marzo de 1927 - Moscú, 27 de abril de 2007).

4 nov. 2014

Dos amigos y un Réquiem.

Gabriel Fauré
"Se ha dicho que mi Réquiem no expresa el miedo a la muerte, y ha habido quien lo ha llamado "un arrullo de la muerte". Pues bien, es que así es como yo veo la muerte, como una feliz liberación, una aspiración a una felicidad superior, antes que una penosa experiencia. La música de Gounod ha sido criticada por su sobre inclinación hacia la ternura humana, pero su naturaleza le predispone a sentirlo de esa manera. La emoción religiosa toma esta forma dentro de sí. ¿No es necesario aceptar la naturaleza del artista? En cuanto a mi Réquiem, quizás también he querido yo escapar del pensamiento más habitual, ¡después de tantos años acompañando al órgano servicios fúnebres! Lo sé todo gracias al corazón. Yo quise escribir algo diferente."
Así se expresaba Gabriel Fauré, refiriéndose a la obra que nos ocupa, el Réquiem en Re menor. 

Réquiem en Re menor, Op. 48.
1.- Introit et Kyrie 2.- Offertoire 3.- Sanctus 4.- Pie Jesu 
5.- Agnus Dei et Lux Aeterna 6.- Libera Me 7.- In Paradisum
The Cambridge Singers. Members of the City of London Sinfonía. 
John Rutter, director.

En un viaje a Londres realizado en 1898 con el fin de dirigir el estreno de su "Pelléas et Mélisande", Fauré, conoció a Edward Elgar, primer compositor británico moderno cuyas obras corales y orquestales adquirieron fama internacional. Inmediatamente se creó entre ellos una corriente de simpatía, siendo el mismísimo Elgar, católico practicante, quién animara a Fauré a orquestar el Réquiem para su estreno en Londres. La primera versión, escrita en 1887 para soprano, barítono, coro y órgano, fue interpretada en la Madelaine en 1888. Posteriormente, en 1890, Fauré revisó la obra y, ante la imposibilidad de hacerla interpretar, la archivó en un cajón. La orquestación fue terminada en 1900 y, al poco tiempo, fue publicada su partitura por Hamelle. Lamentablemente para Gabriel Fauré y pese a los esfuerzos realizados por su amigo Elgar, el Réquiem orquestado no se pudo estrenar.
Sería en 1924, como consecuencia de la muerte de Fauré, cuando se interpretó la obra utilizando la versión original de 1890, para voces y órgano.
Doce años después, en 1936, y a dos años de la muerte de Elgar, tuvo lugar el estreno del Réquiem en su versión orquestal. Se llevó a cabo en Londres, bajo la batuta de Nadia Boulanger, quien también dirigiría el estreno parisino semanas después. La compositora, pianista, organista, directora de orquesta, intelectual y profesora que formó y enseñó a muchos de los grandes compositores del siglo XX, la gran Nadia, dijo al respecto:
“Nada más puro o lleno de claridad en su definición había sido concebido con anterioridad. Ningún elemento externo altera la sobriedad y expresión de pesar algo severa; nada provoca que su profundo carácter meditativo sea alterado, ninguna duda restringe la gentileza y ternura de esta música.” 
He aquí la grandeza de una obra magna, maravillosa e inmortal, creada por alguien que se declaró siempre como agnóstico. Un no creyente que respetaba las creencias de los demás.

John Rutter
John Rutter (Londres, 24 de septiembre de 1945- ).

2 nov. 2014

Georg Friedrich Händel "Giulio Cesare in Egitto".

Georg Friedrich Händel
Julio César en Egipto (título original en italiano, Giulio Cesare in Egitto, HWV 17) es una ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Händel y libreto en italiano de Nicola Francesco Haym. Fue compuesta para la Royal Academy of Music. El histórico idilio entre Julio César y Cleopatra estimuló a Händel, en uno de los períodos más importantes de su creatividad lírica en Londres, para componer una “dramma per musica” que, por lo que respecta a la música, se encuentra entre sus páginas más inspiradas. Se estrenó en el King’s Theatre de Londres el 20 de febrero de 1724. Nunca una ópera de Handel obtuvo un éxito tan grande y tan inmediato. El tema fue uno de los puntos a favor, pues su comprensión general facilitaba al espectador un fácil seguimiento de la trama, no como las complicadas intrigas de otras obras de la época. 

Giulio Cesare in Egitto, HWV 17

Handel había recorrido toda Europa buscando las mejores voces, y trabajó con los “castrati” (los cantantes de moda), cuyo distintivo sonido vocal combinaba la flexibilidad de una joven y poderosa voz con un excepcional control de la respiración. Muchos de los héroes operísticos, como Julio César (para Francisco Bernardi, “castrato” conocido como Senesino), fueron escritos expresamente para ellos. Sin embargo, la primera Cleopatra fue la soprano Francesca Cuzzoni, una de las mejores cantantes de ópera europeas, para la que Handel llegó a crear varios roles líricos. Resulta curioso señalar que Cuzzoni era famosa por alcanzar un vibrante mi agudo y que Handel escribió tres de las ocho arias de la reina egipcia en la rara tonalidad de Mi mayor y tres en La mayor, o su correspondiente menor, en las cuales aquella nota figuraba de manera prominente, a modo de unidad tonal que, asimismo, refuerza la presencia y definición del personaje.
Ambos cantantes, Senesino y Cuzzoni, recibieron delirantes críticas tras el estreno, y el teatro se llenó noche tras noche para escuchar a estos portentos vocales.

1 nov. 2014

Zoltán Kodály "Psalmus Hungaricus".

Zoltán Kodály
En 1923 Zoltán Kodály estrena Psalmus Hungaricus, monumental obra sinfónica para tenor, coro y orquesta que fue comisionada, junto a obras solicitadas a Béla Bartók y a Ernó Dohanyi, para celebrar la unificación de las ciudades de Buda, Pest y Óbuda.
Hungría pasaba por uno de los momentos más aciagos de su historia. Después del injusto Tratado de paz firmado en Trianon en 1920, perdió las dos terceras partes de su territorio y un tercio de sus habitantes; su economía quedó destrozada y su población sumida en la miseria.
En este contexto, Kodály, decidió no escribir una obra festiva sino una de tono dramático, para reflejar el verdadero sentir de la población húngara.  El texto utilizado en esta Sinfonía Coral se basa en los versos del salmo 55 del Rey David del Antiguo Testamento, en libre traducción del poeta y pastor protestante del siglo XVI, Mihály Vég Kecskeméti.

Psalmus Hungaricus, Op. 13
1.- Mikoron Dávid nagy búsultaban. 2.- Te. azért lelkem. 3.- Igaz vagy Uram.
Hungarian State Orchestra. Hungarian Radio Choir and Childrens Choir.
Antal Doráti, director.

Antal Doráti
Antal Doráti (Budapest, Hungría, 09 de abril de 1906 - Gercensee, Suiza, 13 de noviembre de 1988).

31 oct. 2014

Franz Listz "Mephisto Waltz nº 1".

Franz Listz
A una buena parte del siglo XIX le apasionó o fascinó el demonio. Le dedicaron muchas partituras. Goethe lo colocó como simpático y sabio personaje junto al gran doctor Faust, y desde entonces hay Mefistos por todas partes: Gounod, Boito, Busoni, Liszt.
Los Mephisto-Walzer (alemán: "valses Mefisto" o "valses de Mefisto") son cuatro valses compuestos por Franz Liszt en los siguientes periodos: de 1859 a 1862, entre 1880 y 1881, en 1883 y en 1885, respectivamente. Los dos primeros fueron compuestos en un principio para orquesta, y luego se arreglarían para piano solo, dueto y dos pianos. Los otros dos, el tercero y el cuarto, sólo fueron compuestos para piano solo. El primero de estos Mephisto-Walzer es el más conocido.

Mephisto Waltz nº 1
Daniil Trifonov, piano.

El Mephisto-Walz n.º 1 "Der Tanz in der Dorfschenke" ("El baile en la taberna del pueblo"), fue concebido primero para orquesta y más tarde como obra para piano. Tiene tres versiones: la orquestal (S.110/2), el dueto para piano (S.599/2) y la versión para piano solo (S.514), que es la que publico. Todas ellas datan del trienio entre 1859 y 1862. Sin embargo, Liszt ya había empezado a componer la versión para orquesta algo antes, pues fue escrita entre 1856 y 1861. Fue a partir de 1859 cuando empezó a adaptarla sólo para piano.
Está dedicado a Carl Tausig, el alumno favorito de Liszt. Desgraciadamente, Tausig murió prematuramente en 1870, a los 29 años de edad.



Wiener Philharmoniker.
Franz Welser-Most, director.

El episodio que Liszt eligió de la obra de Lenau transcurre en la taberna del pueblo (La danza/Taberna del pueblo/Boda. Música y danza) y es de una naturaleza más bien erótica: Fausto y Mefistófeles, como cazador, entran en un bar donde se está celebrando una fiesta por una boda. Mefisto coge un violín de uno de los juglares, lo afina (representado en la pieza de Liszt por las quintas al inicio del vals) y entonces comienza a tocar una melodía frenética. Después, el vals se ralentiza y da inicio un nuevo tema, amoroso, que intoxica a todos los campesinos allí presentes. En el texto de Lenau, incluso las "resonantes paredes de la taberna se lamentan, verdes ("blancas" en el texto) de envidia, porque no se pueden unir a la danza". Fausto aprovecha la situación y coge a la novia para bailar con ella, una belleza de ojos negros (que no es "Gretchen" sino "Hannchen"). Tras de un poco de cortejo, se fuga con ella hacia el bosque. Un ruiseñor canta una melodía y la música de Liszt crece hasta un impresionante clímax cuando la pareja "es tragada por las impetuosas olas del rapto amoroso" (según el texto de Lenau). Previamente al cenit de la huida de Fausto y la novia, Liszt hace reaparecer el sensual tema lírico del vals.

Enrique Granados "Andaluza".

Enrique Granados
Acompaño, con el primer vídeo que subo a este blog, una pequeña reseña del pueblo que me vio nacer: Pedro Abad.
Pedro Abad es un pueblecito de la provincia de Córdoba enclavado en la comarca del Alto Guadalquivir. Pequeño en tamaño, pero grande en historia. Sus orígenes se remontan a la conquista, en época musulmana, de Córdoba por el Rey Fernando III. El monarca creó a finales del 1235, en el lugar que hoy ocupa la población, un campamento convertido después en hospital donde se instaló para ofrecer auxilio espiritual el abad Pedro de Meneses que traía consigo un crucificado. Los diversos hechos milagrosos atribuidos a esta imagen hicieron que Fernando III mandase construir una ermita, bautizada como Ermita del Santísimo Cristo de los Desamparados, y casas para los que quisieran habitar en dicho lugar, que estaban exentos de todo pecho o tributo. 
Pero además, mi pueblo es tierra de Santos. Ya que en él nació la que llegaría a ser, por la Gracia de Dios, Santa Rafaela María,  la fundadora de las Esclavas del Sagrado Corazón de Jesús.

Danza española N° 5 "Andaluza" 
London Symphony Orchestra. Ataulfo Argenta, director.

Dedicada por Enrique Granados a Alfredo García Faria, la danza número cinco, "Andaluza", se indica en la partitura: «andantino quasi allegretto». Dibujos guitarrísticos, frase amplia, larga, melancólica, de momentos plenos, para desvanecerse al fin. El período central se construye sobre el arranque del primer tema, en forma de variación apenas apuntada y clima de mayor serenidad. El final «morendo» conserva el carácter unitario de la danza, peligrosa tanto porque se caiga en la expresión monótona, cuanto —peor— porque triunfen la cursilería y el amaneramiento antinaturales.


Ataúlfo Argenta
Ataúlfo Argenta Maza (Castro Urdiales, Cantabria, 19 de noviembre de 1913 - Los Molinos, Madrid, 21 de enero de 1958).